Drawing the Sky

To create his latest collection, Marco Bettoni has once again picked up his camera. As in previous works, Drawing the Sky reflects the artist's lack of interest in documentary-like realism. Though hardly reportage, his art nevertheless draws inspiration from daily life in Bettoni's case, a daily life that is not wholly his own. As an Italian living in London, Bettoni is well qualified to refine his powers of observation of other reality, however familiar it may seem to him. Frequent trips to Japan have allowed him to capture the unusual in the usual; he spots the potential of everyday items and then translates them into art in which his personal hallmark – he reconnects everyday life with the deep-seated traditions of the culture that generated it in the first place Everyday life as seen by Bettoni becomes something new, yet resounds with the echoes of its origins.

Bettoni's Tokyo Lights, which has long been a fixture on the London art scene are photos of taxi lights by night. What would merely be illuminated signs indicating a cars for-hire status are, in his hands, transformed into objects sundered from the seething metropolis, floating calmly in the placidity of darkness. They are lanterns, a link to ancient Japanese tradition that his perceptive outsider's eye has spotted in the fast-flowing traffic of a big city, to remind us that beneath frenzy lies tradition. He has succeeded in his intent because he has the ability to approach a culture without modifying it; an ability to take hold of a culture and experience it his own way. This is most certainly true of his Jizo. Jizo, or at least the statues from which the artist drew inspiration, are baby-faced figurines that are very common in Japan, especially in temples. In the afterlife, they protect infants aged two and under who have died, and unborn children too. Family members who have suffered such a loss cover a Jizo's head with a little cap, put bibs on them, and bring them baby games. Bettoni has trodden the extremely fine line between individual grief and tradition, and reinvented the statues by weaving little caps right onto canvas, reprising the immobile expressions of their stereotypical little faces, and transforming them into mini totems which, in a calm and repetitive aesthetic gesture, are both reassuring and, because of their totemic arrangement, disquieting at the same time.

Bettoni's hallmark approach to art is evident in Drawing the Sky. This time he has drawn his inspiration from koinobori, the carp-shaped kites that flutter in Japan's skies on the May 5th celebration of children. Once again, the artist is not content merely to observe and reproduce an event. As if in thrall to a psychological or aesthetic imperative, he experiences the event personally and makes it his own. In his photographs, the flying fish are not fully formed. Through "child's play", the artist has taken hold of the string and spun the kites round over his head, creating a new relationship with the outside world in which he himself plays a part. His photographs of these original objects reference the vivid colours created by the surrounding space, the blue sky and the green trees. His koinobori are no longer "just" kites, they are the sky and the landscape. There is no computer retouching here, it's all spontaneous happening. Bettoni's photographs capture the moment and freeze the transitional as it rapidly evolves. The Japanese element, which is where the whole process began, has become vanishingly muted in these invented vedutas which, to borrow the words of the poet Hashin, are "neither sky nor earth". They are neither abstract or figurative either. They are worlds apart that the artist has created, using a fisheye lens to form rounded worlds because "each circle is a finite world; together, the circles make a constellation of finite worlds." Exhibited in this form, they become "the creation of a universe composed of self-contained parallel worlds." It is interesting to note how, in the colour-saturated luxuriance of fabric and blue sky, the images have sloughed off the breathlessness of motion; the houses, the trees, and the focus-challenged background of garden prevail, evoking the impression of a convergence of colours. The moment has been captured through the striking of an inner balance. The result is a visual impact, a kind wind: harmony.

The velocity of movement is visible, on the contrary, in the photo of London's City Hall, the Norman Foster-designed seat of the city's mayor. Here one truly does get the impression that it is possible to see the thread attached to the kite, twisting as it is tugged by a hand, yet the only flowing movement anywhere in the entire collection is a tethered structure, the building whose circular aspect and glass walls create a simulacra of movement which the artist uses to draw a direct link between the sky over Nagano and the sky over London, and in the process, trigger a second series of photos that focuses on architecture and its ability to create new landscapes.

The relationship between landscape and buildings is the underlying theme that once a year spawns the construction of a temporary pavilion in the heart of Hyde Park. Each summer, the Serpentine Gallery invites a famous architect to design a structure for its garden, which is then pressed into service as a covered annex for the gallery, with a bar and places to meet, and then, when autumn comes around, the pavilion is taken down. This year it was the turn of the Sanaa Group, Japanese architects Kazuyo Sejima & Ryue Nishizawa, to fashion an incredibly light and airy mirrored metal structure perched on impossibly slender columns. The building interacts directly with the environment, through refractory references that the artist uses to redraw relations precisely where it is difficult to pinpoint separations or thresholds. Where, often, it is difficult to find one's bearings in an optical illusion. The dancing reflections offer an escape into the irony of disorienting detail, as the mirrored structure twists and turns into strange distortions.

As a whole, Drawing the Sky is an enrichment of Marco Bettoni's body of work. It broadens his path of enquiry, yet at the same time it is a continuation of the artist's sensibility, his ability to seize details from reality and use them to redraw reality with his own personal signature; to craft a new reality out of the equilibrium of harmony, and a balance between the figurative and the abstract. He personally and directly participates in creating the conditions that allow the idea to fly. Once again, he shows that his creativity is strong enough to make us forget the starting point, in this case, the koinobori, without in any way betraying it. Indeed, by retaining its framework of reference in the finished work of art, by achieving this stance, he amplifies the potential of the reality that prompted the idea in the first place.

Paolo Nelli: Writer

(Translation: Adam Victor)

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Disegnando il cielo

Per la produzione di questa nuova collezione è ancora alla macchina fotografica che Marco Bettoni si rivolge. Ma, come già nei suoi lavori precedenti, anche in Disegnando il cielo l'artista non ha interessi di realismo documentaristico, la sua arte non è reportage, se pur lo spunto ispiratore viene dal quotidiano. Un quotidiano che non è del tutto suo perché Bettoni è italiano e vive a Londra, condizioni, entrambe, che gli affinano le possibilità osservative di una realtà altra che, comunque, lui conosce bene. I suoi frequenti viaggi in Giappone gli permettono di cogliere l'insolito nel solito, di scorgere potenzialità negli elementi del normale e di tradurli in linguaggio artistico dove riesce a rintracciare, in un percorso personale, il legame del quotidiano con la tradizione profonda della cultura che lo genera. Un quotidiano che, una volta estrapolato, diventa qualcosa d'altro, e della realtà originaria porta le risonanze.

Le sue Tokyo Lights, da tempo presenti nel mondo artistico londinese, erano foto delle insegne di taxi, dove, nella notte, ciò che doveva essere un cartello luminoso a indicare la funzione commerciale di un'auto, diveniva un oggetto distaccato dal turbinio della metropoli, calmo, che galleggiava in una pacata oscurità. Una lanterna, dunque, ancorata all'antica tradizione giapponese, che un occhio attento, e straniero, ha potuto scorgere fluttuante nel traffico della metropoli a ricordare che anche nella frenesia c'è tradizione. La riuscita dell'operazione sta nella sensibilità dell'artista di avvicinarsi a una cultura senza alterarla, per impossessarsene e viverla a suo modo. Che è quello che accadeva nei suoi Jizo. I Jizo, almeno quelli da cui si era inspirato l'artista, sono statue di aspetto infantile, molto comuni in Giappone, soprattutto nei templi, che proteggono nell'aldilà i bambini morti precocemente, sotto i due anni, o anche non nati. I familiari che hanno subito la perdita coprono la testa dei Jizo con cappellini, mettono loro i bavaglini, portano i giochi d'infanzia. Bettoni si è mosso in equilibrio su quel filo labilissimo che è il dolore individuale e tradizione e li ha reinventati dipinti con i berretti ricamati direttamente sulla tela, con le stesse espressioni del viso stereotipate, immobili, trasformandoli in piccoli totem che, raffigurati in un gesto estetico pacato, ripetuto, riescono a essere rassicuranti e insieme, però, appunto come i totem, inquietano.

In Disegnando il cielo le dinamiche dell'arte di Bettoni ci sono tutte e l'ispirazione prende le mosse, questa volta, dai koinobori, gli aquiloni a forma di carpe che nella festa dei bambini dei primi di maggio solcano i cieli giapponesi. Anche in questo caso l'artista non si accontenta di osservare un evento e riportarlo, quasi che un'esigenza psicologica, o necessità estetica, lo spinga a viverlo in maniera personale per farlo proprio. Nelle sue foto i pesci volanti non appaiono in forma compiuta. L'artista, in un gioco infantile, ha preso lui stesso i fili e, nel movimento rotatorio, ha fatto vorticare sopra di sé gli aquiloni per creare una nuova relazione con l'esterno dove lui stesso fosse partecipe. E i prodotti dei suoi scatti, dell'oggetto originale, hanno mantenuto solo il rimando nella vivacità dei colori che creano lo spazio coll'azzurro del cielo e il verde degli alberi. I koinobori non sono più (solo) aquiloni, sono il cielo stesso, sono il paesaggio. Non c'è ritocco al computer, tutto deve avvenire nell'istante, e le foto fermano il momento, fermano un paesaggio nel suo veloce mutare e l'elemento giapponese, che era il punto di partenza, quasi scompare in queste vedute inventate, che non sono più, per dirla con le parole del poeta Hashin, "né cielo né terra". Di più, non sono né astratti né figurativi. Sono mondi a parte che l'artista ha deciso di creare di forma tonda, con l'utilizzo dell'obiettivo fish eye, perché «il cerchio è un mondo finito e nell'insieme una costellazione di mondi finiti.» Esposti così diventano, dunque, «una creazione di un universo composto da mondi paralleli a se stanti.» Curioso notare come nel rigoglio cromatico di stoffe, nell'azzurro del cielo, le immagini non portino in sé l'affanno del movimento e sono le case, gli alberi, nelle foto dove i giardini prevalgono, sfuocati, sullo sfondo, a dare l'impressione di convergere verso i colori. L'attimo è fermato nella creazione di equilibri interni. C'è impatto visivo, c'è un vento positivo, c'è armonia.

Il vortice, casomai, lo si percepisce nella foto della City Hall, la sede del sindaco di Londra, progettata da Norman Foster. Qui, davvero, sembra di vedere il filo che tiene l'aquilone contorcesi sotto la spinta di un braccio, e l'unico movimento a turbine di tutte la collezione è dato da una struttura ferma, un palazzo che nella sua circolarità, nelle sue pareti di vetro, crea un movimento col quale l'artista collega direttamente i cieli di Nagano a quelli londinesi e apre alla seconda serie di foto, dove si rivela l'interesse per l'architettura, nella sua natura di creatrice di paesaggi nuovi.

La relazione tra paesaggio e edificio è il tema base che impronta l'allestimento annuale di padiglioni temporanei nel cuore di Hyde Park. La Serpentine Gallery ogni estate affida ad architetti rinomati il compito di progettare una struttura nel giardino che faccia da sede esterna, coperta, alla galleria, con bar e punti di ritrovo che verrà rimossa con l'arrivo dell'autunno. Quest'anno è il gruppo Sanaa, degli architetti giapponesi Kazuyo Sejima & Ryue Nishizawa, ad aver costruito una leggerissima struttura di metallo a specchio, sorretta da esilissime colonne, che interagisce totalmente con l'ambiente, nei rimandi di rifrangenze che l'artista usa per ridisegnare relazioni dove è difficile delineare separazioni o limiti. Dove spesso è anche difficile orientarsi nell'illusione ottica. E nella danza dei riverberi si concede la fuga nell'ironia di cogliere dettagli estranianti, nell'attesa che la struttura a specchio conceda buffe distorsioni.

Nell'insieme Disegnando il cielo, rappresenta un arricchimento dell'opera di Marco Bettoni, aprendo la sua ricerca a spazi più ampi, e insieme un continuo nella sua sensibilità artistica di cogliere dettagli di realtà per ridisegnare una realtà appuntata dalla personale firma dove c'è l'equilibrio dell'armonia, il bilanciamento tra figurativo e astratto, la partecipazione diretta nella creazioni delle condizioni perché l'idea dell'opera possa esistere. Dove, ancora, la creatività ha la forza di smontare il punto di partenza, in questo caso i koinobori, senza però snaturarlo, lasciando di esso i rimandi nel prodotto finale, nell'opera d'arte che, distanziandosi, amplifica le possibilità della realtà che ha dato lo spunto all'idea.

Paolo Nelli: scrittore

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